【全体の印象】 「レベルの高い演奏が多かった！」というのが、審査会全体の感想でした。当然ながら、演奏者それぞれに美点も不足する点もあり、それを勘案しながら差をつけることは非常に難しく感じられました。拮抗した高度な数々の演奏をどのように評価するのか、翻って、審査する側の観点もまた審査される結果となったと感じます。演奏の傾向には二通りあり、一つはピアノを自在に扱いつつ他を圧倒する見事なテクニックを見せる方向の演奏、他の一つは作品に寄り添ってその魅力を感じ、「聴き手に伝える工夫」が窺われる演奏です。 【小学生部門で感じたこと】 指定されたハイドンとモーツァルトのソナタの中から選択、「全楽章」が演奏されました。ピアノ作品の重要な基礎となるこの課題では、概観すれば各楽章相互に関係付けられたイメージ、細かく見ればテンポ設定やフレーズの構成力、細部に立ち入れば（音楽の言葉の役目である）モティーフの表現の適切さと、繰り返される時の変化、基礎的な和声感とその変化,長いフレーズのキープ力に加えて自由な即興性など、簡素な記譜の中にもかかわらず、評価の基準は様々に挙げることができます。 第1楽章、第3楽章の様に速いテンポの楽章では、小学生とは思えないような見事なテクニックが次々と披露されました。ですが、「とにかく速く、とにかく見事に」を求めすぎた演奏が多く、基本のカウントが崩れ、その音型がもつ重要な役割や意味合い、こまかく分割されたリズムと組み合わせの面白さ、アップダウンする音型の「わくわく感」や、移り行く和音の「色合い」などが聴き取れない結果となった演奏が多く、残念でした。評価の「大きな分かれ道」になったのは第2楽章です。歌を基本とするこの楽章は、ゆったりとしたテンポの設定が多く、長いフレーズで構成されています。これを上手に進行させるためには、「和声のフレーズ」を長い距離感で理解し、まとまりに沿って（歌のブレスに相当する）「溜め」を心身に用意すること。細部を見れば、（言葉に相当する）「モティーフのイントネーション」を正しく理解して表現を研究することでしょう。作品に適った説得力のある大人らしい演奏もありました。一方では表情に変化をつけようと力むあまり、不自然にクレッシェンドやデクレッシェンドしたり、テンポを速めたり、聴き手として安定感のない演奏も多かったと思います。（外国語の発想ですので）言葉を用いた歌曲やリートなどに日頃から親しんでいることが助けとなります。また。この時代はアンサンブルやオペレッタなどが主流な時代でしたので、作曲家はその世界を鍵盤楽器にも求めていたことが想定できます。音楽を総括する指揮者を自分の中に存在させることは大きな力となることでしょう。 【中学生部門で感じたこと】 課題は古典派からロマン派の作品へと選択肢が広がり、ハイドン、シューマン、ショパンが演奏されました。ピアノが進化したこの時代は作曲家それぞれが「個性を打ち出す」作品が多くなりました。同じロマン派に括られながらも、ショパンとシューマンには大きな違いがあります。ショパンは自分自身で「私は古典」と認めたように、しっかりとした形式を持っています。その一方で、飛躍的に進化を遂げたピアノの機能と響きを作品に自由に盛り込んでいます。整然とした「建築的な部分」と遊び心満載の「即興風」な部分の弾き分けは必要です。その一方でシューマンの独自性は、身近に溢れる日常的な景色や心情を「表題」で明示し、（バッハの時代に多用された）対位法と、古典的和声を進化させた「微妙な和声感」で豊かな表現を生み出しました。そこで表現されている「個人的な感情」が、ロマン派の時代を象徴しています。それらの作品を表現するためには、それぞれの表現スタイルに加えて、演奏者自身の作品への「共感度」の高さや「演奏熱」も必要となります。具体的には、高度な技術―高い音から低い音までの幅広い音域を素早く行き来するパッセージを多用した技巧的音型を安定して演奏できる「テクニック」―の獲得はもちろんですが、広い音域をもつピアノの音域毎の質を熟知し、多彩な音色を瞬間的に生み出せる様々な「タッチ」の工夫、多層で書かれた音楽の「バランス」に配慮した表現、その計画、総合的に言えば、表現に結び付いたテクニックの研鑽が要求されます。特に残響を調節するペダルの効果的でデリケートな使用には特段の考慮が必要でしょう。 【高校生部門で感じたこと】 バロックから現代までの幅広い作品が自由選択されました。広範囲に及ぶ作品演奏のためには、音楽様式を的確に理解することが必要です。その上で、演奏者の個性をベストに表現できる選曲が大きな鍵となることは言うまでもありません。作品に寄り添って、いろいろな研究が必要でしょう。その時代の社会・文化的な背景は、作品を生み出す大きなエネルギーとなっています。演奏者の素養は、音となって感じられるものです。 規模の大きな作品には作曲家の大きな構想があります。それを十分に聴き手に伝えるためには、演奏を展開するための全体構想（作品の様式や構成・形式）の把握は勿論ですが、それを実現するための用意周到な演奏計画と、加えて会場の響きを考慮しつつ上手な利用を考慮しておくことです。特に適切で多彩なペダル使用法については、どれだけ多様な響きを創り出せるかを念頭に日頃から研鑽することが、ここ一番の演奏の成功へとつながる道でしょう。 【将来への期待】 ピアノは不思議な楽器です。「キーを打って音を出すという意味で打楽器ともいえる…」とは、使い古された表現です。はっきりとしたタイミングで音楽空間を区切ることや多くの音を重ねられる点では他の楽器に比べて優れていますが、音楽には欠かせない「音の長さを保つことや残響に思いを致す」ことなく、無意識に演奏してしまう危険性も持ち合わせています。広い会場の演奏では、正確に打つだけのテクニックに終始すると薄い印象しか残りません。ですが一音一音にイメージをもって縦と横に重ねていくことを計画的に構成すると、びっくりするほど立体的でドラマを感じさせる空間を創り出すことができます。 練習する日常において、「音楽を伝える」ことを念頭に、磨きをかけた成果をいつも求めたいと思います。時代を通じて作曲家の構想にはピアノだけではなく、アンサンブルやオーケストラ、歌のイメージが盛り込まれてきました。また、時代を経て磨き上げられた優雅な音楽だけではなく、土着の民俗音楽的要素も組み込まれていくことにもなりました。そのリズム感や歌いまわしは一朝一夕で自分のものにすることは難しいです。日頃から現代も含め広く多くの音楽的な興味を増やすことや、いろいろな文化や風土に折に触れて親しむこと、つまり「自分で自分を育てること」が、今後、「大人の演奏」を実現する鍵となるでしょう。